Art
di Simone Stefanini 22 Giugno 2017

I classici dell’arte incontrano i brand nei collage di Nicholas Mottola Jacobsen

I marchi sono le nuove opere d’arte? Lo abbiamo chiesto a Nicholas Mottola Jacobsen

Il mash up è il territorio naturale per i lavori di Nicholas Mottola Jacobsen. Mescolanza di epoche e stili che tornano nei suoi nuovi collage in cui si serve dei classici della storia dell’arte per portarli nella nostra dimensione, quella dominata dai brand. Gli abbiamo fatto qualche domanda in proposito.

 

Oggigiorno a molti piace giocare a decontestualizzare l’arte classica. Come ti è venuto in mente di mettere i brand sui capolavori del passato?
Da sempre, nel mio percorso artistico, ho trovato ispirazione nelle opere pittoriche e, attraverso esse, la mia idea di arte si è sviluppata ed espressa. Il filo rosso che lega i miei lavori, nonché l’idea di fondo, è la contemporaneità dell’arte: bellezza atemporale senza confini spaziali che, come la moda del resto, esprime davvero se stessa quando uno sguardo si posa su di essa. O si è un’opera d’arte o la si indossa.

Pensi che i loghi dei brand siano le opere d’arte più riconoscibili di oggi?
Sono dell’idea che oggigiorno le massime espressioni artistiche e di creatività si fondono con la moda e con il branding. Caravaggio potrebbe collaborare con Gucci e magari Raffaello dare una svolta alla nuova pubblicità targata Ikea. Quella che lega i brand all’arte è una passione controversa, un’attrazione reciproca che esiste da sempre. Si pensi al futurismo di Depero a servizio di Campari; o ancora a Nokia, la cui immagine simbolo ricorda le celeberrime mani di Adamo e di Dio dipinte da Michelangelo nella “Creazione di Adamo”. In effetti  la contemporaneità dei brand e la moda  la loro riconoscibilità  devono molto all’arte: il loro salto di qualità, è tutto merito di quest’ultima.

 

 

Quali sono i tuoi canali promozionali preferiti?
Non credo di poter parlare di una vera e propria promozione dei miei lavori. Un tempo ero molto legato a Tumblr. Di tanto in tanto mi capita di tornarci, fare un giro, ma non è più quello di una volta. Il mio nuovo “contenitore”, se così possiamo definirlo, è Instagram – tra una storia e l’altra! Ah! Prima o poi renderò felice anche mio padre, che ormai da troppo tempo mi rimprovera di finire il sito!

C’è spazio per l’evoluzione della pop art in Italia?
La Pop Art ha radicalmente cambiato il modo di fare arte contemporanea e su questo non ci piove. In Italia? Non saprei. Geolocalizzare una corrente artistica non è una priorità dei nostri giorni, la geolocalizzazione serve solo a Google Maps per portarti al ristorante indiano più vicino. Io ho sempre avuto molti contatti dall’Asia, ho avuto modo di parlare con giovani designer interessati a quello che faccio. Così i miei lavori si sono evoluti tra l’Italia e l’Asia, poi Marrakech, l’Africa, la Grande Mela!   La Pop Art continua la sua evoluzione e rivoluzione culturale all’insegna dei valori imposti dal consumismo e da internet senza legarsi a nessun posto fisico in particolare.

Se l’Ultima cena fosse stata fatta al Mac, Giuda avrebbe trovato la forza per tradire Gesù?
Non credo, specie dopo il menù grande.

 

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Serigrafia a due colori, dimensioni 20x30 cm Edizione limitata di 40 esemplari DEM Come un moderno alchimista, DEM crea personaggi bizzarri, creature surreali abitanti di un livello nascosto nel mondo degli umani. Eclettico e divertente, attraverso muri dipinti, illustrazioni e installazioni ricche di allegorie, lascia che sia lo spettatore a trovare la chiave per il suo enigmatico e arcano mondo. Oltre ad avere vecchie fabbriche ed edifici abbandonati come sfondo abituale ai suoi lavori, DEM è stato anche ospite alla Oro Gallery di Goteborg e ha preso parte a esposizioni importanti come «Street Art, Sweet Art» (PAC, Milano), «Nomadaz» (Scion Gallery, Los Angeles), «Original Cultures» (Stolen Space Gallery, London) and «CCTV» (Aposthrofe Gallery, Hong Kong). Tratto dal catalogo della mostra La bellezza fa 40
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Serigrafia a due colori, dimensioni 20×30 cm Edizione limitata di 40 esemplari Alessandro Baronciani Alessandro Baronciani vive a Pesaro e lavora a Milano come Art Director, grafico e illustratore. Ha lavorato per diverse agenzie pubblicitarie come direttore di campagne a cartoni animati. Le sue illustrazioni sono state stampate per molti brand come Martini, Coca Cola, Bacardi, Nestlè, Audi, Poste Italiane e Vodafone. Lavora per libri per bambini pubblicati da Mondadori, Feltrinelli e Rizzoli, quest’ultima ha anche pubblicato il suo primo libro, Mi ricci!, completamente pensato, scritto e illustrato da lui. Alessandro disegna fumetti. Ha pubblicato 3 libri di fumetti intitolati Una storia a fumetti, Quando tutto diventò blu e Le ragazze dello studio Munari. Per molti anni ha disegnato e pubblicato i suoi fumetti da solo, come un esperimento fai-da-te mai provato prima in Italia: i suoi fumetti venivano spediti in abbonamento e gli abbonati diventano parte delle storie che disegnava. Suona inoltre la chitarra e canta nella punk band di culto Altro. Tratto dal catalogo della mostra La bellezza fa 40
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Senza Titolo Serigrafia di Martina Merlini

Serigrafia a due colori, dimensioni 20×30 cm Edizione limitata di 40 esemplari Martina Merlini Martina Merlini, artista visiva bolognese, classe 1986, vive e lavora a Milano. Il percorso artistico di Martina Merlini si snoda multiformemente nel solco dell’esplorazione, coinvolgendo una pluralità di tecniche, materiali e supporti che convergono nella ricerca di un equilibrio formale delicatamente costruito sull’armonia di elementi astratti e geometrici. Attiva dal 2009, ha esposto in numerose gallerie europee e americane. Dal 2010 al 2013, insieme a Tellas, intraprende il progetto installativo Asylum, che viene presentato a Palermo, Bologna, Milano e Foligno. Nell’estate del 2012 viene invitata a partecipare a Living Walls, primo festival di Street Art al femminile, ad Atlanta. Nel dicembre 2013 inaugura la sua seconda personale, «Wax» all’interno degli spazi di Elastico, Bologna, dove indaga l’utilizzo della cera come medium principale del suo lavoro, ricerca approfondita nella sua prima personale americana, «Starch, Wax, Paper & Wood», presso White Walls & Shooting Gallery, San Francisco. Tratto dal catalogo della mostra La bellezza fa 40  
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Senza Titolo Serigrafia di Marino Neri

Serigrafia a due colori, dimensioni 20×30 cm Edizione limitata di 40 esemplari Marino Neri Marino Neri è fumettista e illustratore. I suoi libri a fumetti sono Il Re dei Fiumi (Kappa Edizioni, 2008) e La Coda del Lupo (Canicola, 2011), tradotti e pubblicati anche in differenti lingue e paesi. I suoi disegni sono apparsi su riviste nazionali e internazionali e ha partecipato a diverse esposizioni collettive e personali in tutta Europa. Nel 2012 il Napoli Comicon e il Centro Fumetto Andrea Pazienza gli assegnano il Premio Nuove Strade come miglior talento emergente. È attualmente al lavoro sul suo nuovo libro a fumetti Cosmo. Tratto dal catalogo della mostra La bellezza fa 40
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Serigrafia a due colori, dimensioni 20×30 cm Edizione limitata di 40 esemplari Moneyless Nato a Milano nel 1980 Teo Pirisi aka Moneyless. Per anni ha ricercato e investigato i diversi aspetti delle forme e degli spazi geometrici come artista visivo. Dopo essersi diplomato all’Accademia d’Arte di Carrara (corso multimedia), Teo ha frequentato un corso di Design della Comunicazione all’Isia di Firenze. Contemporaneamente sviluppa una carriera artistica che lo porta ad esibire i suoi lavori in spazi pubblici e luoghi abbandonati.Teo è anche graphic designer e illustratore freelance; negli ultimi anni ha partecipato a diverse esibizioni collettive e personali in Italia e nel mondo. Tratto dal catalogo della mostra La bellezza fa 40
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