Art
di Sandro Giorello 19 Novembre 2015

No Curves: l’artista italiano dietro la nuova copertina degli Skunk Anansie

Sembrano elaborazioni digitali ma in realtà fa tutto con nastro adesivo e taglierino

Making of diretto ed editato da Zi Italy 

 

Il prossimo 15 gennaio uscirà Anarchytecture, il nuovo album degli Skunk Anansie. La copertina è ad opera di un italiano, che tiene molto alla propria riservatezza e che si è fatto conoscere solo con il suo nome d’arte: No Curves. Ha un gusto anni decisamente anni 80 e la caratteristica di creare quadri utilizzando solo nastro adesivo colorato e taglierino. L’effetto finale è sbalorditivo. Vi mostriamo il making of della cover e ci siamo fatti raccontare meglio da lui da dove nasce questa tecnica così particolare.

Come è nata la collaborazione con gli Skunk Anansie?
In maniera del tutto inaspettata. Ho ricevuto una telefonata qualche mese fa da parte di Anna Maria Negri, che oltre ad essere una nota make up artist ha coordinato la produzione delle immagini fotografiche del nuovo album con il fotografo Emilio Tini. Tra uno shooting e l’altro, cambi d’abito e complice una bobina di nastro adesivo finita è uscito il mio nome. Il caso ha voluto che ci fosse anche una copia del mio libro We Believe in Angles and Straight Lines e la band ne è rimasta entusiasta. Tempo di ricercare il mio numero tramite amici e coordinarci con la manager e ci siamo incontrati.

 

NC_SA_COVER  No Curves – La copertina di Anarchytecture

 

Quanto hai lavorato al progetto?
Circa un mese, principalmente per la preparazione e lo studio del concept. La realizzazione dell’originale mi ha preso pochi giorni in realtà. C’è stato moltissimo scambio con loro e la volontà di realizzare davvero qualcosa di nuovo e inusuale rispetto al classico mondo del rock. Ho cercato di trasfigurare in forma geometrica tutti i membri della band: Skin è una sorta di regina punk-rock, Ace lo spirito del suono, la passione bruciante della musica, Cass il bassista è il flow lento del basso, le profondità marine sempre in movimento e Mark il batterista è una sorta di cyborg-drum machine che ricorda Roy Batty di Blade Runner.

Le tue grafiche mi ricordano quelle delle copertine delle videocassette e delle audiocassette di fine anni 80, c’è un possibile collegamento? Alla fine erano nastri anche quelli.
L’immaginario degli anni 80 è una bomba, era l’alba della tecnologia digitale, i pixel e le prime grafiche vettoriali ultracolorate. Sono nato a cavallo tra gli anni 70-80 e ci sono cresciuto in quel mondo. Le audiocassette sono state un simbolo della mia giovinezza, insieme al walkman; tutto era più vero e tangibile. Penso che ci siano sempre dei collegamenti con la cultura con cui cresci e ti confronti. Credo che il bisogno di realizzare opere con il nastro adesivo sia nato dal desiderio di ritornare a qualcosa di veramente fisico, analogico dopo il boom/overdose digitale degli anni 2000.

 

1_3  No Curves al lavoro

 

Quando è arrivata l’idea che potessi usare il nastro adesivo per fare dei quadri?
È stato un percorso naturale, originariamente i primi lavori erano interventi su manifesti pubblicitari in maniera molto minimale e concettuale. Col tempo, crescendo stilisticamente, senti la necessità di evolverti e approfondire l’eredità del passato, il patrimonio delle generazioni che non ci sono più fisicamente, ma sono una presenza tangibile a livello culturale. Ho sempre avuto una estrema fascinazione per la pittura italiana del rinascimento o dei grandi paesaggisti americani e inglesi dell’800 e’900 anche se, a livello pratico, non ho mai voluto utilizzare la pittura tradizionale. Il nastro lo ritengo una nuova forma pittorica “adesiva”, una via di mezzo tra la tradizione e la sintesi estrema della pittura astratta.

Spesso utilizzi delle superfici trasparenti per creare sovrapposizioni molto interessanti.
Si tratta di diverse qualità di plexiglass e materiali plastici trasparenti. Hanno una lucentezza diversa e il loro spessore variabile permette di creare delle architetture di luce derivate dalle ombre delle immagini sovrastanti. È come regalare all’opera molteplici punti di vista e nuove forme. Molte delle opere realizzate in appositi box cambiano le sembianze in base alle condizioni luce del giorno.

 

1_10  No Curves al lavoro

 

1_13  No Curves al lavoro

 

1_20  Il progetto della copertina

 

Malignamente si potrebbe dire che tanto lavoro manuale potrebbe essere sostituito molto più facilmente da quello digitale, qual è la più grossa differenza a tuo avviso?
Come ti accennavo prima, c’è stato in passato, e c’è ancora di più oggi, una sorta di overdose digitale. Ci stiamo avviando verso un futuro coperto da un velo digitale e c’è la necessità di trovare dei punti saldi, che ci permettano di rimanere coi piedi per terra anche se la testa è ormai un mondo elettronico. Tornare a fare arte con le mani è d’obbligo. Bisogna lasciarsi trascinare dalla casualità del reale e dall’improvvisazione, senza la possibilità di correzione a tutti i costi che è tipica del lavorare in digitale.

 

nc3  No Curves nel suo studio

 

Spesso i tuoi soggetti sembrano usciti dalla cameretta di un bambino – robot, astronauti, supereroi – cosa ti affascina di questo tipo di immaginario?
La loro spontaneità. L’iconicità. C’era un tempo in cui gli Eroi erano Eroi e basta, dove gli archetipi erano chiari e ti permettevano di misurarti con il mondo adulto con gradualità, dandoti la possibilità di scegliere un passo alla volta. Ora dove sono gli eroi?

La tua principale preoccupazione quando allestisci una mostra è che il nastro secchi e si stacchi?
No, quella è l’ultima. Anzi non lo è proprio. C’è solo una preoccupazione, ed è quella di regalare un po’ di sorpresa e sogni a chi guarda le tue opere.

 

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Serigrafia a due colori, dimensioni 20×30 cm Edizione limitata di 40 esemplari VitoManoloRoma Attualmente vive a Milano e lavora come freelance in qualità di grafico, illustratore, animatore e fumettista. Si forma presso il Liceo Artistico statale di Busto Arsizio, poi la compagnia di teatro sperimentale Radicetimbrica e termina gli studi al Politecnico di Milano dove si avvicina al Graphic Design. Durante i primi anni di professione come progettista e illustratore in alcuni studi di grafica milanesi, continua a disegnare e partecipa a mostre collettive di illustratori, fra le quali «Spaziosenzatitolo» (Roma), «Doppiosenso» (Beirut) e «Manifesta» (Milano). Con il collettivo di satira a fumetti L’antitempo fonda l’omonima rivista con la quale vince il Premio Satira 2013 come miglior realtà editoriale italiana. Appassionato di musica africana, afroamericana e jamaicana, colleziona vinili che seleziona con i collettivi Bigshot! e Soulfinger nei locali neri e non di Milano. Tratto dal catalogo della mostra La bellezza fa 40
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Serigrafia a due colori, dimensioni 20×30 cm Edizione limitata di 40 esemplari Alessandro Ripane Alessandro Ripane è nato a Genova nel 1989. Ha vissuto e lavorato in Svezia. A causa della mancanza di animali selvaggi nella città di Genova, Alessandro si è comprato molti libri sull’argomento. A causa della mancanza di supereroi nella città di Genova, Alessandro si è comprato un sacco di fumetti a tema. È diventato quindi un esperto in entrambe le categorie, anche se ora disegna un po’ di tutto, tranne gli alieni, perché non è sicuro di come siano vestiti. Ora è impegnato a combattere la caduta dei capelli, a comporre una sofisticata musica del futuro, a imparare come disegnare gli alieni e a guardare tutti i film sui mostri e gli zombi che non ha ancora visto. Tratto dal catalogo della mostra La bellezza fa 40
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Serigrafia a due colori, dimensioni 20×30 cm Edizione limitata di 40 esemplari Thomas Raimondi Nato a Legnano (MI) il 17 Maggio 1981. Laureato al Politecnico di Milano in Design della Comunicazione. Graphic e visual designer freelance attivo nella scena underground con numerose pubblicazioni (Luciver Edition, Faesthetic, Belio, Le Dernier Cri, Laurence King.) e mostre in Italia e all’estero. Le ultime personali «Burn Your House Down» nel 2013 presso la galleria Kalpany Artspace di Milano (Circuito Rojo) e la residenza d’artista per Alterazioni Festival 2014, Arcidosso (GR) con l’istallazione site-specific «Inside/Outside». Lavora e ha lavorato per diverse realtà nazionali ed internazionali come VICE, Rolling Stone Magazine, Rockit, Mondadori, Men’s Health, Salomon, Motorpsycho, T-Post e molte altre. Nel 2008 ha ricoperto il ruolo di docente d’illustrazione presso l’accademia NABA di Milano continuando, a oggi, a collaborare con regolarità. Tratto dal catalogo della mostra La bellezza fa 40
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