Art
di Raffaele Portofino 3 Ottobre 2018

18 consigli di Moebius agli aspiranti fumettisti

Moebius è un Maestro per ognuno che voglia intraprendere la carriera di fumettista. Ecco i suoi consigli ai neofiti

Se sei fumettista, Moebius lo conosci per forza. Autore di fumetti di culto, disegnatore tra i più riconoscibili al mondo, le sue vignette sono come quadri che hanno incantato Fellini e Jodorowsky, con cui ha anche collaborato. Un vero Maestro con la M maiuscola , che nel 1996 ha pubblicato un breve manuale per fumettisti, che vi mostriamo qui sotto. C’è tanto da imparare.

© Moebius  © Moebius

1) Quando disegni devi prima purificarti dai sentimenti profondi come odio, felicità, ambizione etc.

2) È molto importante educare la tua mano. Falle raggiungere un alto livello di obbedienza, in modo che sia in grado di esprimere correttamente e pienamente le tue idee. Stai molto attento a cercare di ottenere troppa perfezione, oltre che troppa velocità come artista. La perfezione e la velocità sono pericolose – così come i loro opposti. Quando produci disegni troppo veloci o troppo sciolti, oltre a fare errori, corri il rischio di creare un’entità senza anima o spirito.

3) La conoscenza della prospettiva è di suprema importanza. Le sue leggi forniscono un buon modo per manipolare o ipnotizzare i tuoi lettori

4) Un’altra cosa da abbracciare con affetto è lo studio del corpo umano: anatomia, posizioni, tipologie di corpo, espressioni, costruzioni e differenze tra le persone. Disegnare un uomo è molto diverso dal disegnare una donna. Con i maschi, puoi essere più sciolto e meno preciso nella loro rappresentazione; piccole imperfezioni possono spesso aggiungere carattere. Il tuo disegno di una donna, tuttavia, deve essere perfetto; una singola linea mal posizionata può drammaticamente invecchiare o renderla fastidiosa o brutta. Quindi, nessuno comprerà il tuo fumetto! Perché il lettore possa credere alla tua storia, i tuoi personaggi devono sentirsi come se avessero una vita e una personalità propria. I loro gesti fisici dovrebbero essere emanati dai punti di forza, debolezza e infermità del loro personaggio. Il corpo si trasforma quando viene portato alla vita; c’è un messaggio nella sua struttura, nella distribuzione del suo grasso, in ogni muscolo e in ogni ruga, piega o ruga del viso e del corpo. Diventa uno studio della vita.

5) Quando crei una storia, puoi iniziare senza sapere tutto, ma dovresti prendere appunti mentre prosegui, riguardo i particolari del mondo rappresentato nella tua storia. Tale dettaglio fornirà ai tuoi lettori caratteristiche riconoscibili che susciteranno il loro interesse. Quando un personaggio muore in una storia, a meno che il personaggio non abbia avuto la sua storia personale espressa in qualche modo nel disegno del suo volto, del suo corpo e del suo abbigliamento, al lettore non importa; il tuo lettore non avrà alcuna connessione emotiva. Il tuo editore potrebbe dire: “La tua storia non ha valore; c’è solo un morto: ho bisogno di venti o trenta persone morte perché funzioni. ” Ma non è vero; se il lettore sente che il morto (o i feriti o chiunque sia nei guai) possiede una vera personalità derivante dai tuoi studi approfonditi sulla natura umana – con la capacità di un artista di tale osservazione – le emozioni aumenteranno. Con tali studi svilupperai e attirerai l’attenzione degli altri, oltre a una compassione e un amore per l’umanità. Questo è molto importante per lo sviluppo di un artista. Se vuole funzionare come uno specchio della società e dell’umanità, questo suo specchio deve contenere la coscienza del mondo intero; deve essere uno specchio che vede tutto.

6) Alejandro Jodorowsky dice che non mi piace disegnare cavalli morti. Bene, è molto difficile. È anche molto difficile disegnare un corpo addormentato o qualcuno che è stato abbandonato, perché nella maggior parte dei fumetti è sempre l’azione che viene studiata. È molto più facile disegnare persone che combattono – ecco perché gli americani disegnano quasi sempre i supereroi. È molto più difficile disegnare persone che parlano, perché si tratta di una serie di movimenti molto piccoli – piccoli, ma con un significato reale. Sono queste piccole cose che mostrano la personalità, la vita. La maggior parte dei supereroi non ha alcuna personalità; usano tutti gli stessi gesti e movimenti.

7) Altrettanto importante è l’abbigliamento dei tuoi personaggi e lo stato del materiale con cui è stato realizzato. Queste trame creano una visione delle esperienze dei tuoi personaggi, delle loro vite e del loro ruolo nella tua avventura in un modo in cui molto può essere detto senza parole. In un vestito ci sono mille pieghe; devi sceglierne solo due o tre – non disegnarle tutte. Assicurati solo di scegliere le due o tre buone.

8) Lo stile, la continuità stilistica di un artista e la sua presentazione al pubblico sono piene di simboli; possono essere lette proprio come un mazzo di tarocchi. Ho scelto il mio nome “Moebius” come uno scherzo quando avevo ventidue anni – ma, in realtà, il nome è entrato in risonanza con il suo significato. Se arrivi con una maglietta di Don Chisciotte, questo mi dice chi sei. Nel mio caso, è importante che facciate un disegno di relativa semplicità che contenga indicazioni sottili.

9) Quando un artista, un vero artista che lavora, esce per strada, non vede le cose allo stesso modo delle persone “normali”. La sua visione unica è cruciale per documentare un modo di vivere e le persone che lo vivono.

10) Un altro elemento importante è la composizione. Le composizioni delle nostre storie dovrebbero essere studiate perché una pagina o un dipinto o una tavola siano come una faccia che guarda il lettore e gli parla. Una pagina non è solo una successione di quadri insignificanti. Ci sono quadri pieni. Alcuni sono vuoti. Altri sono verticali o orizzontali. Sono tutti sintomo delle intenzioni dell’artista. Le vignette verticali eccitano il lettore. Le orizzontali lo calmano. Per noi nel mondo occidentale, il movimento in un quadro che va da sinistra a destra rappresenta l’azione verso il futuro. Passare da destra a sinistra dirige l’azione verso il passato. Le direzioni che indichiamo rappresentano una dispersione di energia. Un oggetto o personaggio collocato al centro di una vignetta concentra l’energia e l’attenzione. Questi sono simboli e forme di lettura di base che evocano nel lettore un fascino, una specie di ipnosi. Devi essere consapevole del ritmo e impostare le trappole affinché il lettore ci possa cadere, in modo che, quando cade, si perda, permettendoti di manipolarlo e spostarlo all’interno del tuo mondo con maggiore facilità e piacere. Questo perché quello che hai creato è un senso della vita. Devi studiare i grandi pittori, specialmente quelli che parlano con i loro dipinti. Le loro scuole di pittura i loro generi o il periodo di tempo in attività non dovrebbero avere importanza. La loro preoccupazione per la composizione sia fisica che emotiva deve essere studiata in modo da imparare come funziona la loro combinazione di linee per toccarci direttamente il cuore.

11) La narrazione deve armonizzarsi con i disegni. Ci deve essere un ritmo visivo creato dal posizionamento del testo. Il ritmo della trama dovrebbe riflettersi nella cadenza visiva e nel modo in cui comprimi o espandi il tempo. Come un regista, devi essere molto attento al modo in cui presenti i tuoi personaggi e al modo in cui li dirigi. Usa i tuoi personaggi o “attori” come un regista, studia e poi seleziona le diverse riprese dei tuoi personaggi.

12) Attento alla devastante influenza dei fumetti nordamericani. Gli artisti in Messico sembrano studiare solo i particolari superficiali: un po’ di anatomia mescolata a composizioni dinamiche, mostri, lotte, urla e denti. Mi piacciono anche alcune di quelle cose, ma ci sono molte altre possibilità ed espressioni che sono degne di essere esplorate.

13) C’è una connessione tra musica e disegno. La dimensione di questa connessione dipende dalla tua personalità e da cosa sta succedendo in quel momento. Negli ultimi dieci anni ho lavorato in silenzio; per me, c’è musica nel ritmo delle mie battute. Disegnare a volte è una ricerca di tesori. Una linea precisa e ben eseguita è come un orgasmo!

14) Il colore è un linguaggio che l’artista grafico usa per manipolare l’attenzione del lettore e per creare bellezza. C’è il colore oggettivo e soggettivo. Gli stati emotivi dei personaggi possono cambiare o influenzare il colore da una vignetta all’altra, come possono farlo luogo e ora del giorno. Studio speciale e attenzione devono essere rivolti al linguaggio del colore.

15) All’inizio della carriera di un artista, dovrebbe principalmente creare racconti brevi di altissima qualità. Ha una migliore possibilità (rispetto a storie lunghe) di completarli con successo, mantenendo un elevato standard di qualità. Sarà anche più facile metterli in un libro o venderli a un editore.

16) Ci sono momenti in cui consapevolmente ci dirigiamo verso un percorso di fallimento, scegliendo il tema o il soggetto sbagliato per le nostre capacità, o scegliendo un progetto troppo grande o una tecnica inadatta. Se ciò accade, non devi lamentartene più tardi.

17) Quando un nuovo lavoro è stato inviato a un editore e riceve un rifiuto, devi sempre chiedere e provare a scoprire i motivi del rifiuto. Studiando le ragioni del nostro fallimento, solo allora possiamo iniziare a imparare. Non si tratta di lottare con i nostri limiti, con il pubblico o con gli editori. Uno dovrebbe trattare il fallimento con un approccio tipico dell’arte marziale aikido. Sono la forza e il potere del nostro avversario che vengono usate come chiave per la sua sconfitta.

18) Ora è possibile esporre i nostri lavori ai lettori in ogni parte del pianeta. Dobbiamo sempre tenerlo a mente. Per cominciare, il disegno è una forma di comunicazione personale – ma questo non significa che l’artista debba chiudersi all’interno di una bolla. La sua comunicazione dovrebbe essere per quelli esteticamente, filosoficamente e geograficamente vicini a lui, così come per se stesso – ma anche per estranei completi. Il disegno è un mezzo di comunicazione per la grande famiglia che non abbiamo incontrato, per il pubblico e per il mondo.

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Agricane Serigrafia di DEM

Serigrafia a due colori, dimensioni 20x30 cm Edizione limitata di 40 esemplari DEM Come un moderno alchimista, DEM crea personaggi bizzarri, creature surreali abitanti di un livello nascosto nel mondo degli umani. Eclettico e divertente, attraverso muri dipinti, illustrazioni e installazioni ricche di allegorie, lascia che sia lo spettatore a trovare la chiave per il suo enigmatico e arcano mondo. Oltre ad avere vecchie fabbriche ed edifici abbandonati come sfondo abituale ai suoi lavori, DEM è stato anche ospite alla Oro Gallery di Goteborg e ha preso parte a esposizioni importanti come «Street Art, Sweet Art» (PAC, Milano), «Nomadaz» (Scion Gallery, Los Angeles), «Original Cultures» (Stolen Space Gallery, London) and «CCTV» (Aposthrofe Gallery, Hong Kong). Tratto dal catalogo della mostra La bellezza fa 40
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Inés Sastre Serigrafia di Alessandro Baronciani

Serigrafia a due colori, dimensioni 20×30 cm Edizione limitata di 40 esemplari Alessandro Baronciani Alessandro Baronciani vive a Pesaro e lavora a Milano come Art Director, grafico e illustratore. Ha lavorato per diverse agenzie pubblicitarie come direttore di campagne a cartoni animati. Le sue illustrazioni sono state stampate per molti brand come Martini, Coca Cola, Bacardi, Nestlè, Audi, Poste Italiane e Vodafone. Lavora per libri per bambini pubblicati da Mondadori, Feltrinelli e Rizzoli, quest’ultima ha anche pubblicato il suo primo libro, Mi ricci!, completamente pensato, scritto e illustrato da lui. Alessandro disegna fumetti. Ha pubblicato 3 libri di fumetti intitolati Una storia a fumetti, Quando tutto diventò blu e Le ragazze dello studio Munari. Per molti anni ha disegnato e pubblicato i suoi fumetti da solo, come un esperimento fai-da-te mai provato prima in Italia: i suoi fumetti venivano spediti in abbonamento e gli abbonati diventano parte delle storie che disegnava. Suona inoltre la chitarra e canta nella punk band di culto Altro. Tratto dal catalogo della mostra La bellezza fa 40
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Senza Titolo Serigrafia di Giò Pistone

Serigrafia a due colori, dimensioni 20×30 cm Edizione limitata di 40 esemplari Giò Pistone Gio Pistone è nata a Roma. La scelta dei soggetti, spesso figure di fantasia tendenti al mostruoso, caratterizzati da colori molto forti, nasce prestissimo a seguito di incubi notturni. Disegnarli il mattino seguente fu un’idea della madre per affrontare la paura. Presto gli incubi si sono trasformati in vere e proprie visioni da cui ancora oggi attinge. Si è appassionata alla scenografia di teatro dove ha continuato ad approfondire i suoi sogni e il suo innato amore per il grande. In seguito ha lavorato e viaggiato con La Sindrome Del Topo, un gruppo di creatori di strutture di gioco e sogno, con cui si occupava di disegnare, costruire e progettare giostre e labirinti. Ha cominciato a lavorare in strada nel ‘98 attaccando in giro per Roma i suoi disegni fotocopiati. Ha collaborato con varie realtà italiane e internazionali. Ha partecipato a mostre in tutta Europa in particolare presso il Museo MADRE di Napoli, l’Auditorium di Roma, il Museo Macro di Roma e partecipato ad eventi di Street Art quali «Scala Mercalli», «Pop up», «Subsidenze», «Visione Periferica», «Alterazioni», «M.U.Ro». Tratto dal catalogo della mostra La bellezza fa 40  
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